¿De dónde te tengo? – Hoy: Julie Adams

La peli El Monstruo de la Laguna Negra (Creature from the Black Lagoon, 1954) estaba hecha en 3-D. O sea que había que verla con los anteojitos colorados y azules. En un momento te aparecía la heroína ahí nomás frente tuyo con un traje de baño blanco que marcaba todo lo marcable (y permisible para la época) y la monada empezaba a entender por qué la Criatura quería capturar a Julie Adams.

Julie -nacida Betty May Adams en Waterloo, un pueblito del estado norteamericano de Iowa en 1926- nunca pensó que sus quince minutos de gloria llegarían con ese film: «Ninguno de nosotros tomaba muy seriamente el film cuando lo hacíamos”, dijo en un reportaje. Recordemos que esta es la época en que laburar en ciencia ficción no era algo prestigioso. Más bien no era una película que una actriz con cierta experiencia como Julie quisiera hacer.

Experiencia cinematográfica ya tenía, empezando desde abajo en la pantalla, pateando departamentos de castings mientras trabajaba como secretaria “part time” para ganarse el sustento. Su primer trabajo cinematográfico sería un papel de reparto sin acreditar (casi un bolo de extra) en Red, Hot and Blue (1949). Tras eso la pequeña compañía Lippert le dio el protagónico femenino en un western de bajo presupuesto llamado The Dalton Gang (1949). Lo hizo bien y la contrataron para trabajar en seis westerns más… todos hechos uno tras otro en pocas semanas. «¡Era una locura! Había dos protagonistas y una cantidad de actores secundarios que estábamos en todos los films. Yo era la Chica en todos ellos, por eso tenía tres trujes. Tenía un traje de montar, uno para la diligencia y uno de granjera. Filmamos todas las escenas de granja para las seis películas de una vez y luego todas las de diligencia. Me costaba recordar quién era. ‘¿Soy la granjera o la vaquera esta vez?’ ¡Era extraño!»

Al poco tiempo, Betty May sería contratada por los estudios Universal un poco por casualidad. La habían contratado para dar pie a otro actor que estaban considerando contratar… y ella les gustó más a los ejecutivos. En los estudios decidieron cambiar su nombre -hasta ahora había actuado con su nombre real- por el de Julia Adams (luego Julie). Empezó a hacer todo tipo de papeles. Hizo pelis con temática de guerra como Bright Victory (1951); comedia -o algo así- en películas como Francis joins the WACS (1954), donde el protagónico lo tenía Francis la Mula que Habla; y muchos westerns: The Lawless Breed (1952), The Missisipi Gambler (1953), etc.. Y en 1954 estuvo en The Creature…, un clásico del género fantástico. Parece que la pasó bastante bien con sus colegas y con la dirección de Jack Arnold, un tipo con quien, en sus palabras, “era muy fácil trabajar”. Aunque parece que el agua estaba bastante fría en las escenas en que tuvo que nadar mientras el monstruo la perseguía por debajo.

Tras terminar su contrato con la Universal, Julie siguió haciendo trabajos en cine y televisión de manera freelance. Trabajó junto a John Wayne en Mc Q. (1974). Y junto a Dennis Hopper en La Última Película (The Last Movie, 1971), hoy un film de culto hecho en medio de los Andes peruanos sin guion alguno, improvisando la historia y las escenas sobre la marcha. Actuó en la adaptación fílmica de El Asesino Dentro de Mi (The Killer lnside of Me, 1976), un policial brillante del escritor Jim Thompson. Actu{o junto a Elvis –“un caballero y sorprendentemente tímido», según sus palabras- en Tickle Me (1963).

En televisión también trabajó mucho, desde ser la esposa de Jimmy Stewart en The Jimmy Stewart Show y actuar, a fines de los sesenta, en LA «soap opera» (el teleteatro, ¡bah!) Hospital General, hasta tener un rol recurrente en Reportera del Crimen (Murder, She wrote), esa donde Angela Lansbury se hacía pasar por las fantasías de Agatha Christie. Pasando por episodios de Kolchak y de la Galería Nocturna de Rod Serling. Todavía hoy cada tanto sigue actuando y public{o hace un tiempo su autobiografía «The Lucky Southern Star: Reflections from the Black Lagoon»

Pero nunca podrá dejar de ser esa chica con las “piernas más simétricas del mundo» que nadaba en un traje blanco mientras desde abajo, el Mostro de la Laguna Negra (y muchos de nosotros al mismo tiempo) se preguntaba: ¿Y a esta, de dónde la tengo?

¿De dónde te tengo? – Hoy: Lupita Tovar

Estamos en 1931. Llega a Buenos Aires una nueva película que viene de los estudios Universal y que causa sensación, Drácula. Asombrados, los espectadores porteños del cine Renacimiento (situado en Lavalle 925) siguen a ese seductor Conde vampiro que anda mordiendo señoritas a troche y moche. Su víctima principal es Eva, la novia de Juan Harker. Si, leyeron bien, la chica se llama Eva, no Mina. Porque el film que llegó primero acá fue la versión en español que se hizo en Estados Unidos, al mismo tiempo que se realizaba la protagonizada por Bela Lugosi. Y la chica que hacía el papel de Mina era una jovencita mexicana llamada Lupita Tovar.

Tovar nació en Oaxaca, México en 1911. Nunca pensó en dedicarse a la actuación hasta que, siendo adolescente, el cineasta Robert Flaherty la vio haciendo gimnasia en su colegio. Flaherty le hizo un test que llevó a los estudios Fox, y a las pocas semanas la empresa volvió con un contrato para Tovar. Pese a la resistencia inicial de los padres, la chica finalmente viajó a Hollywood junto a su abuela. Alli comenzó a trabajar en algunas películas mudas de la Fox. Mientras, aprendía a bailar con Eduardo Cansino, padre de Rita Hayworth, quien trató a Lupita como a su propia hija.

En esa época apareció el cine sonoro. Se presentó entonces un problema: muchos actores no angloparlantes (como Lupita) perdieron su trabajo de un día para otro. Luego de recibir el aviso de que no le renovarían el contrato, Tovar se dirigió a los estudios Universal con una carta de recomendación de sus antiguos empleadores. El productor que la atendió era un checoslovaco llamado Paul Kohner, joven, ambicioso y trabajador. Kohner había tenido bastante que ver con el ingreso del director Paul Leni a ese estudio. Leni había logrado en poco tiempo dos éxitos: El Hombre Que Ríe (The Man Who Laughs, 1927) y El Gato y el Canario (The Cat and the Canaty,1927). Kohner enseguida vio algo en Tovar, y no creemos que fueran sólo sus habilidades artísticas. De más está decir que Lupita consiguió trabajo, y conoció así a su futuro marido, porque Paul Kohner se casaría años más tarde con ella. El matrimonio duraría hasta la muerte del productor en 1988.

Kohner era quien producía las versiones en otros idiomas de las pelis que hacía el estudio. Esta fue una práctica común en Hollywood a principios del cine sonoro, cuando el procedimiento del doblaje no era muy conocido. Así fue como Lupita terminaría protagonizando la versión castellana de The Cat Creeps (1930) dirigida por Rupert Julian, a la que titularon La Venganza del Muerto. Este papel la convirtió en una estrella en su país natal. Su próximo proyecto sería la versión española del Drácula, realizada por Tod Browning.

El Drácula español fue dirigido por George Melford quien, pese a no hablar una palabra de castellano, se ganó rápidamente el respeto de sus actores. La película se hacía en los mismos escenarios de la versión en inglés, filmando de noche. «El equipo norteamericano se iba a las seis y nosotros ya estábamos preparados. Empezábamos a rodar a las ocho de la noche. A la medianoche parábamos para cenar», recuerda la actriz. La relación entre los actores era muy buena, lo mismo que con la del elenco del film en inglés. Tovar asegura que Lugosi en particular «era terriblemente educado. Acostumbraba a verlo los fines de semana. Todos los europeos se juntaban para tomar café con masas y charlar, Paul Kohner era parte de ese grupo y como me estaba cortejando en esa época, cada vez que lo invitaban, me llevaba con é1».

Este cortejo del productor hacia la actriz era obvio para todo el mundo. Los regalos, ya fueran flores o chocolates, eran tan continuos que Barry Norton, el actor argentino que hacía de Juan Harker en el film, le dijo bromeando «si seguis comiendo los chocolates de Kohner Dracula no podrá cargarte por las escaleras».

La película se terminó a tiempo y gastando menos de lo presupuestado originalmente. Incluso se estrenó antes que la versión en inglés. Fue tan exitosa en Hispanoamérica como la de Lugosi en Estados Unidos, y Lupita Tovar quedó confirmada como una estrella de la pantalla mexicana. Durante toda la década siguiente, alternaría trabajos en films de su país de origen (entre ellos el protagónico del primer largometraje sonoro de México, Santa, en el año 1931) y norteamericanos. De estos últimos, siguió haciendo versiones en español hasta que el avance de la tecnología hiciera obsoleta la existencia de estas películas. Tovar continuaría, por un tiempo, interpretando papeles secundarios, generalmente en westerns. Pero en 1945, luego de casarse con Kohner, dejaría de actuar para convertirse en ama de casa y esposa de uno de los representantes de estrellas (ese fue su trabajo después de retirarse de la Universal) más importante del Hollywood de la edad de oro. «Una vez que renuncié a actuar sólo viví para mi marido y nunca pensé en volver», reconoció Lupita en una entrevista.

Fallecería recién el 12 de noviembre del 2016 (con 106 años) rescatada para la posteridad gracias a su papel en el Drácula español. Ya no tenemos que preguntarnos, al verse atacada por nuestro vampiro favorito en la versión latina «¿De dónde te tengo?»

¿De dónde te tengo? – Hoy: Alan Napier

– ¡Santos secundarios, Batman! Acabo de descubrir que Alfred trabajó en un montón de films de terror de tos cuarenta, bajo el nombre de Alan Napier.

-¿Recién te das cuenta de esto, Robin? Mmmm… Tal vez tengas que volver a repasar tu tarea de observación detallada. Recuerda que ningún buen paladín de la justicia debe descuidar este trabajo.

-Tienes razón. Lo siento Batman.

Esta secuencia imaginaria sirve para presentar a uno de estos actores secundarios que han actuado en muchas pelis que hemos visto, pero al que sólo reconocemos por un único papel. A Alan Napier le pasa eso: es conocido apenas como el mayordomo de Adam West y Burt Ward, en la serie de tevé Batman. Mientras que el tipo tiene un historial impresionante dentro del género fantástico (y en el cine «serio», ¡berp!).

Alan William Napier-Clavering nació en 1903 en Birmingham, Inglaterra. Era de una familia de clase alta, siendo su primo nada menos que Neville Chamberlain (el Primer Ministro de Inglaterra a principios de la Segunda Guerra Mundial). Según él, su interés por la actuación nació de pequeño, gracias a las historias que le contaba su madre. Ya de joven entró a estudiar en la Royal Academy of Dramatics Arts, para seguir en el Oxford Players. Durante la década del veinte comenzó a conseguir papeles cada vez mayores en el teatro británico. Un problema que tuvo para llevar adelante su carrera profesional fue su estatura: medía más de un metro noventa, lo que dificultó conseguir trabajos en ciertas películas. «¡Cuántas partes perdí simplemente por pararme! Lo peor de todo es que yo entendía lo que querían», explicó una vez en un reportaje el actor. Como positivo, tenía esa voz muy cuidada y una excelente dicción.

Napier trabajó en varias obras de Broadway durante la década del treinta, hasta que se quedó definitivamente en Estados Unidos en 1940. Pronto Hollywood lo llamó a trabajar. Su primer papel cinematográfico en el país del norte fue en We Are Not Alone (1939). A partir de allí trabajaría como actor de reparto en muchos films de los años cuarenta, en general en roles de hombre suave, educado y «temiblemente británico», como lo explicó alguna vez.

Varios de esos papeles lo hicieron ingresar al género de terror. La primera de estas películas que hizo fue Vuelve el Hombre invisible (The lnvisible Man Returns, 1940) donde era el chantajista que amenazaba al protagonista. Otros roles serían el de novio de Ruth Hussey en El Mandato de otro Mundo (The Uninvited, 1944); el crítico de arte que mataba Rondo Hatton en La Mansión del Mal (House of Horrors, 1946); y uno de los atrapados por la peste -junto a Boris Karloff- en La isla de los Muertos (lsle Of the Dead, 1945), producida por Val Lewton; entre otros trabajos en pelis similares. En décadas posteriores tampoco se alejó del cine fantástico, laburando, entre otras, en El Entierro prematuro (The Premature Burial, 1962) de Roger Corman y Viaje al Centro de la Tierra (Journey to the Center of the Earth, 1959). También apareció en Marnie (1964), del maestro Alfred Hitchcock. Y en el Macbeth de Orson Welles , entre otras (muchísimas) participaciones mas.

Pero la carrera de Napier cambiaría totalmente cuando acepta trabajar en una serie de televisión basada en un personaje de historieta: Batman. A partir de ese momento se convierte en Alfred, el mayordomo de Bruno Diaz. Alfred sabe de la identidad secreta de Bruno y lo ayuda en la medida de lo posible. Incluso llega a disfrazarse del Encapotado para despistar a los villanos. El éxito del programa le daría a Alan sus momentos de gloria, pero también quedaría encasillado. dijo en un reportaje.

Tras esto, hizo poco y nada, retirándose a pasar los últimos años de su vida en paz. Siempre recibió a los fans que lo buscaban para hacerle preguntas, a veces invitándolos a tomar el té. En 1988, Alan Napier murió. Así que, la próxima vez que miren una peli de los cuarenta y vean a un tipo alto, elegante y de aire familiar, puede que sepan la respuesta a esa pregunta que les quedó rondando en la cabeza: ¿y a éste, de dónde lo tengo?

¿De dónde te tengo? – Hoy: Angelo Rossitto

Durante cincuenta años, cuando Hollywood necesitaba de un enano, allí estaba Angelo Salvatore Rossitto. Su jeta de mafioso bonsai se paseó por un montón de películas que nos gustan a nosotros, desde Fenómenos (Freaks, 1932) hasta Mad Max: Más Allá de la Cúpula del Trueno (Mad Max Beyond Thunderdome, 1985). Nada mal para un tipo cuyo otro trabajo era el de vendedor de diarios.

One of Us!!!! Rossitto en Freaks

Rossitto nació en 1908 en un pueblo de 0maha, Estados Unidos. Las cosas comenzaron normales para este chico… excepto por el hecho que crecía muy poco. De adulto, Angelo medía alrededor de noventa centímetros de altura. En su adolescencia empezó a vender periódicos mientras pensaba estudiar para abogado.

Con un sueldo no alcanza: cuando no era actor, Rossitto vendía diarios en Joligud

Pero le había picado el virus cinematográfico. Así que a mediados de la década del veinte el joven Rossitto se fue a Hollywood. La suerte y el alcohol lo iban a hacer amigo de John Barrymore: “él y yo éramos compañeros de bebida», confesó nuestro hombre en un reportaje. El actor lo recomendó y así tuvo un pequeño papel en The Beloved Rogue (1927), una película protagonizada por su mentor. A partir de ahí, los papeles comenzaron a aparecer con una cierta regularidad. No es que hubiese mucha demanda para gente de su tamaño, pero tampoco es que era tanta la competencia. ¿Buscaban un pequeño genio para una película ambientada en el 0riente de las Mil y una Noches? Rossitto era el tipo a contratar. ¿Un juguete toma vida? ¡Llámenlo a Rossitto y disfrácenlo para que parezca un soldado de latón! ¿Un pigmeo que se esconde en una maleta y asesina sin que nadie sospeche (como pasa en Sherlock Holmes and the Spider Woman, film de 1944)? Angelo entra, no se preocupen.

Junto a Bela Lugosi

Por supuesto que el cine fantástico no dejó de utilizarlo en sus films. Empezando con Fenómenos, donde era parte de la troupe circense de deformes que se toman venganza contra los dos normales que intentan destruir a uno de los suyos. El actor estuvo en innumerables pelis del género. Especialmente recordables son sus apariciones junto a Bela Lugosi en varios de los films clase B que éste hizo para la compañía Monogram, como Orquídeas Mortales (The Corpse Vanishes, 1942) y La Mansión de los Espíritus (Spooks run Wild, 1941). Más tarde volvería a trabajar con Bela en Scared To Death (1947). EI actor no tenía más que palabras de halago para Lugosi: «Una vez me dijo que él me quería en todas sus películas, Y le dijo a Sam Katzman (productor de los films de Lugosi en la Monogram) de ponerme en ellas. Me dijo ‘Angelo, tu eres mi más grande aviso gratuito. Cuando te ven, el público se va a decir a si mismo que ahí está el tipo pequeño que trabaja con el monstruo’, (…) Lugosi era un tipo bárbaro y me tenía cariño».

En Confessions of an Opium eater vendía diarios. El papel le salía perfecto

Actuó junto a Johnny Weissmüller en Jungle Moon Men (1955), con Vincent Price en Fumadores de Opio (Confessions of an 0pium Eater, 1962), con Jackie «Tío Lucas» Coogan en la increíble Mesa of Lost Women (1953) y con Lon Chaney Junior en Las Orgias de Drácula (Dracula vs. Frankenstein, 1971). El productor del film, Sam Sherman, un fanático del cine de terror clásico, quería a Rossitto en un papel: «Jerry Rosen, el agente que le consiguió a Al (Adamson, director de la peli), a Chaney y a J. Carroll Naish, también tenía un enano como cliente, Pero le dije ‘No, quiero a Angelo Rossitto, no hay nadie más que puedas usar en la película’, (…) Tras mucho buscarlo, Al me dijo: ‘¡No puedo encontrarlo! Vamos a tener que usar al enano de Jerry Rosen’. Y, en ese momento, tuve que estar de acuerdo con él. ¿Y quién era el enano de Jerry Rosen? ¡Angelo Rossito!». Esta película también sirvió para saber la opinión que Rossitto tenía de su estatura. El actor Greydon Clark contó que «íbamos a filmar un primer plano. El (Rossitto) dijo: ‘si filman un primer plano de mí, nadie sabrá qué tan alto soy’. Prefería que la cámara fuera un poco hacia atrás para enfatizar su singularidad». El orgullo de Rossitto por su estatura hizo que ayudara a fundar Little Men of America, una organización para defender los derechos de los verticalmente carenciados (¡Dios, no me digan que esto no es un término políticamente correcto!).

Su último gran papel: el Maestro en Mad Max Mas alla de la Cupula del Trueno

Siguió trabajando hasta bien entrados los años ochenta. De hecho, su penúltimo laburo en el cine fue uno de sus mejores papeles como el Maestro en Mad Max: Más Allá de La Cúpula del Trueno junto a Mel Gibson y la China Chárne (como le decía .Johnny Allon a Tina Turner). Tras un último trabajo en The Offspring (1987), Rossitto se retiraría. En 1991, murió de unas complicaciones, consecuencia de una operación.

Rossitto de viejo

Ahora no tenemos más al petiso archiconocido en todo el mundo, alguien que mucha gente al verlo, lo reconoce aunque no sabe de dónde lo tiene.

¿De dónde te tengo? – Hoy: Hazel Court

Actuó con Christopher Lee, Peter Cushing, Boris Karloff y Peter Lorre. Se hizo amiga de Vincent Price. La dirigieron Hitchcock, Roger Corman y Terence Fisher. Fue enterrada prematuramente y atacada por el monstruo de Frankenstein. Se convirtió en una de las «scream queens» del cine de terror de los sesenta. Señoras y señores, Hazel Court.

Miss Court en una pose sexy

Hazel Court nació el 10 de febrero de 1926 en la ciudad inglesa de Birmingham. Su padre era un jugador profesional de cricket, que no veía con agrado que su hija quisiera ser actriz. Sin embargo, no impidió que a los catorce años fuera integrante de un grupo de teatro amateur. Dos años más tarde, el director Anthony Asquith, impresionado con unas fotos que vio de la joven, la recomendó a los estudios Ealing. Así fue que Hazel consiguió un pequeño papel en Champagne Charlie (1944). Lentamente obtuvo roles más importantes hasta convertirse en una actriz secundaria conocida por el público británico de posguerra, mientras seguía con su trabajo en el teatro. Estuvo a un paso de ganar el protagónico de Las Zapatillas Rojas (The Red Shoes, 1948), una película hoy considerada clásica. Al final, lo terminó interpretando la actriz Moira Shearer.

Frente a la Devil Girl from Mars, marciana ideal para el fetichista del cuero

Pero sería un género, que nunca le había gustado como espectadora, el que le daría reconocimiento internacional: el cine de terror. Su primer papel en una peli de éstas fue en El Buque Fantasma (The Ghost Ship, 1953), film modesto hecho por la compañía Lippert. Dos años después, sería atrapada junto a varios terrícolas en un pub por la Devil Girl from Mars (1955) (que parecía el sueño de todo masoquista, porque estaba vestida de cuero de punta a punta). «Recuerdo divertirnos mucho en el set. (…) Éramos todos amigos y nos llevábamos bien, ensayábamos y actuábamos, fue muy divertido. Nos tentábamos y reíamos sobre todo el proyecto, pero nos dábamos cuenta que estábamos haciendo algo diferente», dijo en una entrevista, sobre este muy menor «clásico» de la ciencia ficción.

Como Elizabeth en The Curse of Frankenstein, el Hammer primigenio

Dos años más tarde, quedaría asociada al género del terror al interpretar a la esposa de Peter Cushing, en La Maldición de Frankenstein (Curse of Frankenstein, 1957). El film iniciaría el reinado de la compañía Hammer en el campo del cine fantástico durante los sesenta. De la experiencia no tiene más que buenos recuerdos. Dijo del director Terence Fisher «tenía un ojo maravilloso (…) nunca actuábamos bajo presión, con Fisher vos tenías todo el tiempo que querías». Y que Peter Cushing «había nacido cien años más tarde: él viene realmente del siglo diecinueve. Un hombre amoroso», Christopher Lee era «muy divertido, un gran narrador con un montón de historias’. La película en su opinión, está «entre los últimos films de honor realmente bien hechos». Volvería a trabajar con la Hammer en The Man Who Could Cheat Death (1962),

Hazel y Boris Karloff , mientras filmaban The Raven

Para ese entonces. Hazel tenía un pie en Hollywood. La CBS había comprado la serie inglesa Dick and the Duchess, que ella coprotagonizó con Patrick 0’Neal, y se televisó en Estados Unidos entre 1957 y 1958. Lo siguiente fue comenzar a conseguir trabajos en la tele yanqui. El más importante fue su participación en cuatro episodios de la serie Alfred Hitchcock Presenta. En primer lugar, porque gracias a ellos conocería a su marido, el director Don Taylor. Y en segundo lugar, uno de los episodios en los que actuó fue dirigido por el propio Hitchcock. «Recuerdo a Larry Harvey (el otro protagonista) diciéndome ‘¿Estás tan nerviosa como lo estoy yo?’ y respondí ‘Si, lo estoy’, Ambos dijimos’ Este no va a set nuestro mejor día’ « comentó sobre la experiencia. Para inicios de los sesenta, Hazel ya era bastante conocida en Hollywood y se radicó en América.

En The Premature Burial

Conseguiría trabajo en la principal competencia de la Hammer en esa época, los estudios AIP, quienes, de la mano de Roger Corman, estaban a todo vapor filmando pelis basadas en las obras de Edgar Allan Poe. Empezaría en El Entierro Prematuro (The Premature Burial, 1962), junto a Ray Milland. Su siguiente film la juntó con tres superestrellas del género: Peter Lorre, Boris Karloff y Vincent Price. La película era El Cuervo (The Raven, 1963). «Era maravilloso estar con ellos, porque uno contaría una historia, y eso encendería a otro. Y entonces eso encendería a Vincent Price, y así. ¡Esa rueda continua de historias seguía, y vos te sentabas ahí fascinada y tus ojos iban de un lado al otro…!» recordaba.

En The Masque of Red Death

Gracias a esa película, trabó amistad con Vincent Price, con quién compartía un interés por la pintura y la escultura. Precisamente con él haría su último papel importante en La Máscara de la Muerte Roja (The Mask of the Red Death, 1964). Y, tras un papelito en un episodio de Misión Imposible, decidió dejar la actuación. ¿Por qué? Es que iba a tener a su primer hijo y decidió dedicarle todo el tiempo a su crianza. Desde entonces y hasta su muerte en el 2008, Hazel Court se volcó a pintar y esculpir, lleganod a exponer en varias galerías de arte. Sólo volvió al cine con un pequeño rol -que hizo como favor al productor Harvey Bernhard – en La ProfecÍa Final (Omen: The Final Conflict, 1981). Esto provocó que muchos de los que la vieron allí se preguntaran «Yo, a esta señora, ¿de dónde la tengo?».

¿De dónde te tengo? – Hoy: Elizabeth Russell

Si viste la maravillosa La Marca de la Pantera (Cat People, 1942), te vas a acordar de la siguiente escena: en la fiesta de casamiento de lrena (la chica que se convierte en pantera) aparece una mina con pinta de gato, que la mira fijo y dice solo dos palabras antes de retirarse: «moia sestra», que en serbio-hollywoodense significa “mi hermana”. La mujer que se roba esta parte se llama Elizabeth Russell y la viste más veces de lo que piensas, si eres fan del cine de terror de la década de 1940.

Elizabeth nació el 2 de agosto de 1916, en Filadelfia (Estados Unidos, por si les queda alguna duda). En el colegio secundario se hizo amiga de la futura actriz Rosalind Russell (con cuyo hermano se casó años más tarde). Luego de recibirse consiguió trabajo como modelo y en poco tiempo se convirtió en una de las chicas top. Y, obviamente, comenzó a recibir ofertas de Hollywood.

En 1936 firmó contrato con la Paramount, aunque no estaba demasiado interesada en la idea de volverse actriz. «Llegué a Hollywood sin ninguna ambición porque en realidad despreciaba las películas. Fui sólo porque Rosalind insistió en que lo intentara. Además hacía más dinero modelando, así que la Paramount no me estaba haciendo ningún favor. Cuando me ordenaron ir a una fiesta del productor Adolph Zukor, me quejé amargamente. Tuve una llamada a la mañana siguiente y lo consideré una imposición, A ellos no les importaba mi carácter, a mí no me gustaba el de ellos».

Tras debutar en Hideaway Girl (1936), tuvo un co-protagónico ese mismo año en Girl of the Ozarks. Pero de ahí en adelante su carrera no fue un gran suceso. Paramount no renovó su contrato y por un tiempo Russell volvió a modelar.

Fue otra amiga, la comediante ZaSu Pitts, quien la convenció para que volviera al cine. Después de varios papelitos en comedias con Pitts, en 1942 fue la esposa de Bela Lugosi en 0rquídeas Mortales (The Corpse Vanishes), uno de todos esos films que hizo el ex Drácula en los cuarenta para la compañía Monogram. Ese mismo año, Elizabeth entraría en el olimpo del terror gracias a su pequeño rol en la película La Marca de La Pantera.

Todo empezó en una fiesta. Ahí la actriz conoció al productor Val Lewton, que estaba preparando su primera película de bajo presupuesto, como productor de la compañía RKO. Los rasgos felinos de Elizabeth atraparon a Lewton, que la contrató sin pensarlo demasiado. El éxito del film, y la atención que generó su papel, hizo que Russell comenzara a conseguir roles más seguido dentro del género. Lewton volvió a llamarla para actuar. Con él trabajó en films como La Séptima Víctima (The Seventh Victim, 1943), Youth Runs Wild (1944), Manicomio (Bedlam, 1946) y especialmente en La Maldición de la Pantera (Curse of the Cat People, 1944). En este último, su papel como la mujer que amenaza a la niña protagonista está lleno de sutilezas. La cosa no terminó ahí. Elizabeth también trabajó para la Universal en Amenaza incógnita (Weird Woman, 1944), una de las mejores películas de la serie lnner Sanctum. En El Mandato de Otro Mundo (The Uninvited, 1944) sólo aparece su retrato, que es el del fantasma protagonista. Todo esto le galardonó un seudónimo en la prensa especializada: la Hourí del Horror. Ella, más cínica, ha dicho que era «una Bela Lugosi femenina en un constante estado de zombificación».

Otras películas en las que actuó, fuera del género de terror, fueron Hitler’s Madman (44) y Our vines have tender grapes (45).

Después de finalizada la Segunda Guerra Mundial, Elizabeth no consiguió más roles (que tampoco habían pasado de ser secundarios en su mejor momento). En vista de que no pasaba nada con su carrera dejó Hollywood. Cambió la pantalla grande por trabajos en radio y algunos pocos en teatro junto a su amiga ZaSu Pitts.

Finalmente se retiró para volver recién en 1960 interpretando un pequeño papel en From the Terrace, película dirigida por Mark Robson, uno de los realizadores que había conocido trabajando con Lewton. Respecto a su carrera la actriz dijo: «Profesionalmente, la encontré muy frustrante y fue la ruina de mi matrimonio. Me consideraba a mí misma un fracaso en las películas, pero mi marido se sintió lo bastante amenazado al verme en la pantalla para comenzar a beber seriamente».

Elizabeth murió en Los Angeles el 2002, a los 85 años de edad. Todavía hoy hay gente que recuerda ese papelito en una película de los cuarenta, que hace que todo el que la vea, se quede mirando preguntándose: «pero yo, a esta mina, ¿de dónde la tengo?»

¿De dónde te tengo? – Hoy: Turhan Bey

Exotico, suave, elegante. Seguro que si viste películas de terror o de aventuras ambientadas en el Oriente de los años cuarenta, te topaste con este tipo.

Peinado para atrás, con un bigotito anchoa, ojos oscuros y unas cejas sospechosamente bien delgadas como para no estar depiladas. Seguro que hacía suspirar a las chicas de la época en los cines de barrio. Turhan Bey tenía pinta de ganador, aunque le tocaran generalmente papeles de villano.

Turhan Selahettin Schultavey nació en 1922 en Viena. Era el hijo de un diplomático turco que trabajaba en la embajada de Austria y de una rica checa dueña de una cadena de cines. En resumen: el pibe nunca pasó hambre. De joven se interesó en las artes y aprendió fotografía. A los diecisiete años se dedicaba a testear autos de carrera para matar el aburrimiento. Como parecía que las cosas se venían complicaditas -estaba ese alemán del bigotito queriendo anexar Austria al Reich y todo eso- Turhan, su madre y su abuela (su padre  se había divorciado años atrás) se fueron a América a finales de los treinta. Un amigo de la familia le dió al joven una carta de recomendación para el director Arthur Lubin. Tras aprender a hablar correctamente el inglés. Turhan fue a Hollywood y la presentó a Lubin, quien le mostró el lugar. Y ahí se despertó su vocación de actor. Consiguió un papel en una obra de teatro y al poco tiempo, fue visto por un par de agentes de la Warner Bros., quienes le ofrecieron el papel de villano en una película, La única condición era que había que cambiarle el nombre. Y así fue que nació Turhan Bey, el actor.

Tras un par de películas para los estudios Warner y RKO, fue la Universal con la que firmó un contrato. Inmediatamente entró a trabajar en forma regular en films, generalmente como villano de modales elegantes. Sus rasgos le garantizaron roles como un malvado capitán japonés (sí, no es muy claro cuánto de parecido tienen los árabes con los nipones, pero vayan a explicárselo a los de Hollywood) en films bélicos de propaganda, como Danger in the Pacific, 1942). Una excepción sería Dragon Seed (1944), en donde hacía de un guerrillero chino que peleaba contra los japoneses y ayudaba a Katherine Hepburn. Pasó por películas ambientadas en el Medio oriente onda las Mil y Una Noches, donde hizo de jeque, príncipe y cosas así, y cuya protagonista era la actriz María Montez.

El otro género en donde quedó atrapado fue el de terror. Contrariamente a muchos de los actores de esa época, a Turhan no Ie molestaba hacer películas de terror. «Siempre me gustaron los films de terror y siempre me gustó actuar de villano, cuando el papel era interesante. Hay algunos que sólo son malos, pero tuve suerte, siempre hice villanos que tenían alguna causa escondida para ser malos, ¿Pero qué no me gusten los films de tenor? ¡0h, no! ¡Me encantaban!», reconoció en una entrevista.

Su primer papel de este tipo fue en La Tumba de la Momia (The Mummy’s Tomb, 1942). Allí era un joven sacerdote del templo de Karnak que llevaba a la momia Kharis (interpretada por Lon Chaney Jr.) a Londres para vengarse de los profanadores, que en un filme anterior habían encontrado su tumba y sobrevivido. Ese papel sería su favorito «porque era una parte cercana a mi propia nacionalidad«. Otra interpretación fue la de El Buitre Humano (The Mad Ghoul, 1943) donde era el novio de Evelyn Ankers. Ella era perseguida por su ex, a quien desgraciadamente el malvado George Zucco había convertido en un monstruo zombificado. También actuó en El Ruiseñor y el Cuervo (The Climax, 1944), una gran producción que intentó obtener el mismo éxito que había tenido El Fantasma de Ia Ópera (Phantom of the Opera, 1943) y que falló miserablemente, pese al talento de Boris Karloff.

En 1945, Bey tuvo que cumplir dos años en el ejército. Al volver, supo que había perdido el barco. La Universal vendió su contrato a Eagle Lion, una productora pequeña, en donde Bey seguiría su carrera en pequeñas películas. La más destacable fue El Espiritualista (The Amazing Mr. X, 1950), donde haría de un falso medium que se dedicaba a estafar a gente rica. En 1953 Bey dejaría la actuación para volver a Austria donde tendría una larga carrera como fotógrafo de modelos y de desnudos. Recién en los noventa volvería a tener un pequeño papel en Possesed by Night (1994, dirigida por Fred Olen Ray, un tipo al que le encanta trabajar con actores retirados). Además actuó en series de televisión como Sea Quest (la producida por Spielberg) y Babylon 5, en pequeños roles de artista invitado (donde sacaría una nominación al Emmy por su papel en Babylon 5). Tras una larga lucha contra el mal de Parkinson, fallecería el 30 de setiembre del 2012, a los noventa años de edad.

Asi que, si son de ver películas de bajo presupuesto de Hollywood de las décadas de 1940 y 1950, van a encontrar a ese galán exótico de los films bajo presupuesto y se pregunten: “¿Y a este, de dónde lo tengo?”

¿De dónde te tengo? – Hoy: Mary Woronov

¿Qué decir de una actriz que era amiga de la Velvet Underground cuando todo el mundo la detestaba? Una que actuaba en esas extrañas y larguísimas pelis dirigidas por el artista plástico Andy Warhol. Que hizo de una profesora muchísima en Rock ‘n’ Roll High School (1979) junto a los Ramones. Que en Death Race 2000 (1975) fue una de las corredoras que andaban despanzurrando gente por la calle. Y que junto al director Paul Bartel hizo esa maravilla del humor negro, Eating Raoul (1982). Lo único que se puede decir es que esta mujer se llama Mary Woronov.

Con la sartén asesina en Eating Raoul

Mary nació en 1943. Hija de un médico que se divorció cuando ella tenía doce años, estudió arte en Nueva York y llevó una vida relativamente común hasta que en 1964 conoció a Andy Warhol y su corte de artistas de vanguardia. Esta gente le voló el peluco y Mary se volvió una más del grupo. Allí actuaría en 1966 en el Exploding Plastic lnevitable, un show mezcla de teatro, happening y recital de rock que tenía como banda a los entonces desconocidos Velvet Underground. «La única razón que ellos tocaran es por Warhol, Porque él los usó como una especie de aviso, los puso en este happening llamado The Exploding Plastic lnevitable, De otra forma nunca hubieran conseguido una lecha. Después de un tiempo consiguieron seguidores y dejaron a Warhol, pero ¿fueron exitosos en su propia época? ¡Nunca!».

En Chelsea Girls de Andy Warhol

Warhol pondría a Mary por primera vez en una película, en varios de los extraños filmes que hizo a finales de los sesenta. El primero sería The Velvet Undergound and Nico (1966). Mas tarde vendrían Hedy, the Shoplifter (1966), Chelsea girls (1966) y la larguísima The 24 Hour movie (1967), que solo se pasó completa una única vez. Esta furia creativa descontrolada de Warhol (un trabajoadicto según todos los que lo conocieron), se detendría en 1968 cuando le disparó Valerie Solanas. De ahí en más, según Woronov, el creador “se puso a hacer retratos de gente famosa y dejó de ver a la gente loca que conocía”. Para Mary el período Warhol había terminado.

Junto a Paul Bartel en uno de esos momentos delirantes de Eating Raoul

Comenzó a actuar en el teatro independiente. Al poco tiempo,  su primer marido, Theodore Gershuny. La dirigiría en un filme llamado Kemek (1970). Como el filme fracasó, decidió hacer una de terror para hacer dinero y Iuego dedicarse a su “proyecto serio». Así Mary actuó en Silent Night, Bloody Night (72), una de terror donde actuaría junto a John «por dos monedas hago lo que venga» Carradine. Luego vendría una erótica, Sugar Cookies (72), también hecha por su marido y cuyo productor asociado fue… ¡Oliver Stonel Él mismo la dirigiría en su primer largometraje, Seizure (1974), junto a gente como Herve Villechaize (antes de Tatoo).

Mary meets Corman en Death Race 2000

Tras un decepcionante laburo en una telenovela, a Mary le llegaría el momento de oro cuando Paul Bartel -amigo de su marido- le ofreció un papel en Deathrace 2000 (1975). Con esta película, Mary ingresaría en el fascinante mundo de New World, la productora de Roger Corman. «Nunca pensé en mi como una actriz de películas clase B hasta que fui a California y empecé a trabajar para Roger Corman. Este hombre estaba orgulloso de hacer pelis clase B. (…) La actitud que todos tenían trabajando en esas películas era algo así como que estabas en la escuela, te graduabas y harías una película A.(…) La gente que trabajaba ahí era bárbara. Tenían grandes ideas, Todos amaban los films». En esa época trabajó en todos esos films buenos, bonitos y baratos como Hollywood Blvd. (1979). o Cannonball (1976). A rescatar entre estas pelis está la gloriosa Rock’n’ roll High School (1979), donde hacía de la malvada profesora Miss Togar, uno de sus papeles preferidos.

Miss Togar , la represora de la Rock and Roll High School

Mientras tanto, seguía pintando por gusto y se envolvió con la escena punk de Los Angeles de fines de la década de 1970. Incluso apareció en un video de los Suicidal Tendencies. En 1982, ella y su frecuente partenaire Paul Bartel harían la película por la que Mary Woronov es más conocida: la comedia negra Eating Raoul. Mary y Paul hacían de Paul y Mary Bland, cocineros y gourmets que, para conseguir dinero para abrir su restaurante, comenten crímenes y terminan descubriendo el refinado placer del canibalismo. Hacerla les llevó un año y medio.

Otro gran momento de Eating Raoul (no, no cuento nada. Vayan y veanla)

Tras este trabajo seguiría actuando en muchos films de bajo presupuesto, además de estar en series de televisión tan variadas como Taxi, Knight Rider o Sledge Hammer, por  no hablar de su continuo trabajo en películas de bajo presupuesto como Night of the Comet (1984), Scenes form the Class Struggle on Beverly Hills (1989), Mortuary Academy (1988) y Warlock (1989), entre muchas otras obras

Mary Woronov hoy

En los noventa, una operación de hígado detuvo su velocidad y Mary se concentró más en su trabajo como pintora. Y agregó una faceta como escritora, cuando en 1995 publicó Mary Woronov Swimming Undergound (My years in The Warhol Factory), donde contaba sus experiencias de esa época. Posteriormente publicaría una novela, Snakes y un libro llamado Wake for the Angels: Paintings and stories, donde junta sus dos facetas, con relatos cortos ilustrando pinturas suyas. Lo que no quiere decir que no continúe haciendo papeles en series de televisión o en pelis de bajo presupuesto. De esas que cuando las ves, las reconoces enseguida y te preguntas: ¿Y a esta, de dónde la tengo?

¿De Donde te tengo? – Hoy: Cameron Mitchell

Si alguien merecía estar en esta sección es él. Estuvo en toda clase de películas y series de televisión habidas y por haber. ¿Cuántos otros actores conocen ustedes que pueden decir que actuaron junto a Marilyn Monroe, Jack Nicholson o el actor porno John Leslie? Y, por supuesto, sin olvidarse que en la serie de TV El Gran Chaparral era Buck Cannon, el hermano borracho y quilombero, aunque laburante, de ese clan familiar que competía con los Cartwright. Señoras y señores, de pie, que hoy hablamos de CAMER0N MITCHELL.

Su nombre real era Cameron McDowell Mizel y había nacido en 1918. Su viejo era un predicador protestante que no favoreció las inclinaciones artísticas de su hijo, sino más bien lo contrario. Incluso lo amenazó con dejarlo fuera del testamento si seguía intentando ser actor. Pero el cabezota de Cameron siguió en sus trece, se fue a Nueva York y en 1939 comenzó a tener sus primeros papeles en Broadway.

Tras algunos pequeños trabajos, la guerra interrumpió todo y estuvo dos años en la Fuerza Aérea de los Estados Unidos. Al volver de la guerra, la MGM le ofreció un contrato, Su primera película fue Fuimos los Sacrificados (They were expendable, 45) con John Wayne como protagonista. A partir de allí no pararía de actuar en películas o televisión durante cuarenta y cinco años.

¿En qué pelÍculas actuó? En las que se les ocurra. ¿Hizo comedias sofisticadas? Como Casar a un Millonario (How to marry a millonarre?, 53) lo tiene en el papel del t tipo que termina consiguiéndose a Laureen Bacall, mientras Marilyn y Betty Grable se consiguen pareja por otro lado. ¿Drama intelectual, de esos profundos, que le gustan a la crítica? Muerte de un Viajante (Death of a salesman, 52) lo tenía en el co-protagónico junto a Frederic March. Monkey on my Back (57) lo tiene haciendo de un boxeador adicto a la heroína (¡Basada en una historia real!), algo muy fuerte para la época. Fue la voz de Cristo en El Manto Sagrado (The Robe, 53). Filmó con Samuel Fuller Hell and High Water (54) y House of Bamboo (56), Estuvo en una de las primeras peliculitas de la nueva moda (para los cincuenta) de la ciencia ficción: Conquistando a Marte (Flight to Mars, 50). Y actuó en el hit en 3D La Bestia Negra (Gorilla at Large, 54), entre otras cosas.

 

Y si creían que en los cincuentas, Mitchell laburaba mucho, espérense a ver lo que hizo la década siguiente. Apremiado por las deudas que tenía en su vida privada, el tipo decía que sí a todo. Anduvo como actor freelance por América y Europa. Mario Bava lo dirigió en varios films, incluyendo Seis Mujeres Para el Asesino (Ser Donna pre l’assasino, 63). Hizo de motoquero bueno en The Rebel Rousers (67)junto a Nicholson, Bruce Dem y Harry Dean Stanton. Protagonizó Museo de Cera 2 (Nightmare in Wax, 66) haciendo de un cuidador del lugar que, además, es un maquillador chiflado. Actuó en cualquier cantidad de verdura.

Y de 1967 a 1971 fue uno de los actores de El Gran Ghaparral. Con el papel de Buck, un tipo jodido a veces y con sus defectos, pero que siempre iba al frente cuando surgía algún problema.

En los setenta y ochenta continuó laburando donde fuera. Hizo pelis de karate (Enforcer from Death Row, 75), de bichos vueltos locos que atacan a humanos (The swarm. 78) y narró una película “mondo”, Death, The ultimate Mystery( 75). Incluso hizo una de un psycho killer que mataba gente con herramientas en Toolbox Murders (78), la primer película de Abel Ferrara. Y hasta estuvo en algunos episodios de La isla de la Fantasía (¡el cheque, Tatú, el cheque!),

Y cuando un papel en Mi Año Favorito (My Favorite year,82) parecía devolverle cierta respetabilidad profesional, ¡el tipo va y actúa en Dixie Ray, Hollywood Star, un pornete con John Leslie y Lisa de Leeuw! Aclaremos que Cameron no moja el bizcocho delante de cámaras y sólo tiene un pequeño papelito, para que puedan usar el nombre. Pero igual es demostrar una carencia absoluta de habilidad para elegir films.

Sus últimos films quedaron dentro del cine de terror de bajo presupuesto.

Recién en los noventa dejó de trabajar, tal vez porque el físico no le daba más, tal vez porque lo llamaban menos. Y en 1994 se murió de cáncer, dejándonos a todos los que vimos más de una vez su cara, sin posibilidad de verlo aparecer en otra película y hacer que nos preguntáramos “Che, a este lo conozco, ¿De dónde lo tengo?”.

¿De dónde te tengo? – Hoy: Andrew Robinson

¿Qué tienen en común un asesino, el hermano de un tipo que se regenera por obra y gracia de seres del infierno, Liberace y un sastre extraterrestre? La respuesta: Andrew Robinson, el actor que los interpretó a todos y a muchos más.

Robinson nació en 1942 en Nueva York. Su papá murió en la Segunda Guerra y su madre sufrió un colapso nervioso del que nunca se recuperó. El joven Robinson era un candidato a delincuente juvenil. Por suerte el gobierno se hizo cargo y lo envió a una escuela especializada en chicos con problemas. «Y gracias a Dios me enviaron ahí… Esa escuela me salvó el culo. De otra manera, hubiera estado en camino a un correccional de menores», aseguró. Ahí terminó sus estudios y fue a la universidad, Pensaba ser docente. Pero empezó a estudiar teatro como hobby y le gustó.

Como Scorpio, el psicópata (basado en el misterioso y muy real Zodiac Killer) en Dirty Harry enfrentando a Clint Eastwood

Cuando terminó su carrera, se puso a pensar seriamente en seguir su vocación y Ser actor. En 1969 consiguió un pequeño papel de patotero en un episodio de una serie. La mujer que lo eligió lo recordaría después, mientras preparaba el elenco para una película que iba a dirigir Don Siegel y en la que Clint Eastwood iba a dejar de lado su imagen de cowboy. La película era Harry el Sucio (Dirty Harry, 1971) y Robinson sería el rival de Eastwood. En el film era el maniático Scorpio, uno de esos villanos que todos recuerdan. ¿Cómo logró un desconocido como Robinson un rol tan jugoso como el del asesino que se dispone a matar a una persona por día a menos que le paguen cien mil verdes? Para el actor «la naturaleza andrógina del personaje viene del que yo fuera joven, tuviera pelo largo y facciones de nene. Y eso fue exactamente por lo que Siegel me contrató, por ese look, porque pensó que sería único tener a alguien que a pesar de parecer dulce e inocente hace esas cosas horrendas, en vez de contratar a alguien que luce como un matón. Siegel era el mejor. Aprendí más sobre actuar en films de él que de los otros directores con los que he trabajado». Aún hoy, Robinson considera un gran honor haber trabajado en ese film y en el posterior Chailey Varrick (73) y lamenta no haber hecho más proyectos con Siegel. También le encantó trabajar con Eastwood, que nunca se puso en actitud de estrella.

Llorando todo el camino al banco en su interpretación de Liberace para la tele

El éxito en el papel de Scorpio resultaría ser un arma de doble filo, porque lo encasillaría en papeles de asesino. «Estaba furioso porque no podía sacudirme esta imagen de maníaco. Incluso me mandaron guiones con frases tomadas directamente de Harry el Sucio». Durante toda esa época apareció en un montón de series de TV como Kojak, S.W.A.T., Kung Fu, Las calles de San Francisco, El increíble Hulk, Los Dukes de Hazzard y Brigada A, El quía agarraba cualquier cosa. Su papel más largo de este período fue en una telenovela llamada Ryan’s Hope, donde durante dos años haría de abogado. Harto del mundo del espectáculo, en 1981 se mudó a un pueblito en California, donde se dedicó a la carpintería y a enseñar teatro en la secundaria local. Cinco años le tomó curarse de «esa enfermedad llamada Hollywood». En 1985, ya repuesto, decidió volver a actuar.

Jesus lloró: en la primera Hellraiser, uno de esos momentos gore de verdad.

Empezó por el teatro, su medio favorito, logrando una gran actuación en la obra In the Belly of the Beast. Este papel pondría de nuevo en carrera a Robinson. Una carrera donde los papeles bofe serían menos que antes. Lo que no  quiere decir que no los hubiera. «Seguro, voy a hacer películas estúpidas para televisión como The Rock Hudson Story (1990) si me pagan un montón de dinero. No soy tonto. Pero es en obras como Belly donde está mi nivel de trabajo. Y tuve unos cuantos de estos, como mi papel en Máscara (Mask, 85) de Peter Bogdanovich.”, Entre esos grandes papeles está el que hizo en Hellraiser (1987), en donde le toca ser el hermano cornudo del tipo que descubre la caja por la que salen los monstruos. «Amé Hellraiser porque en ella voy de ser el héroe a ser un monstruo». También hizo de Liberace en un film para TV, que le pareció divertidísimo. Tuvo apariciones en películas como Trancers 3 (1992) y Chucky 2 (Child’s Play 2, 1991), por nombrar filmes ce esos que nos gustan a todos. También actuó en Cobra (1986), «una de las peores películas que hice”.

Garak, el encantador sastre-espía cardassiano que le dará de comer por años a Robinson. Al menos yendo a convenciones trekkies.

Hasta que le cayó el personaje de Garak, el cardassiano de Star Trek: Abismo Espacial Nueve, tal vez su papel más conocido junto al de Scorpio. Y una interpretación que le encanta, «Es una buena serie, Los guionistas son muy buenos. Créanme, si alguien me hubiera dicho hace diez o quince años. cuando estaba en medio de esa enfermedad de ‘quiero ser una estrella’, que iba a estar en una serie espacial haciendo de un tipo con una máscara de goma, y disfrutándolo, le hubiese dicho que estaba loco. Pero lo amo». Incluso todavía hoy es un asiduo participante de convenciones trekkies y ha escirto una novela de la serie protagonizada por Garak.

La novela sobre Garak que escribió nuestro personaje de hoy. ¿No les dije que iba a seguir morfando con Trek?

Ya sin fantasmas que lo molesten, aceptando que su papel como Scorpio fue lo más significativo que ha hecho, pero a su vez,  lo que tapó ciertas cosas en su carrera, Robinson se reconoce como un tipo que vive gracias a la televisión y se divierte con el teatro. Y sabe que tal vez algunas de las personas que lo han visto haciendo de sastre cardassiano lo reconozcan y se pregunten: «Y a éste, ¿de dónde lo tengo?»,

-Roberto Barreiro